Danseur

Compétences transversales - Utiliser les outils numériques de référence et les règles de sécurité informatique pour acquérir, traiter, produire et diffuser de l’information ainsi que pour collaborer en interne et en externe - Identifier et sélectionner avec esprit critique diverses ressources dans son domaine de spécialité pour documenter un sujet - Analyser et synthétiser des données en vue de leur exploitation - Développer une argumentation avec esprit critique - Se servir aisément des différents registres d’expression écrite et orale de la langue française - Communiquer par oral et par écrit, de façon claire et non-ambiguë, dans au moins une langue étrangère. - Identifier et situer les champs professionnels potentiellement en relation avec les acquis de la mention ainsi que les parcours possibles pour y accéder - Caractériser et valoriser son identité, ses compétences et son projet professionnel en fonction d’un contexte - Identifier le processus de production, de diffusion et de valorisation des savoirs - Situer son rôle et sa mission au sein d'une organisation pour s’adapter et prendre des initiatives - Travailler en équipe et en réseau ainsi qu’en autonomie et responsabilité au service d’un projet - Analyser ses actions en situation professionnelle, s’autoévaluer pour améliorer sa pratique - Respecter les principes d’éthique, de déontologie et de responsabilité sociale et environnementale - Prendre en compte la problématique du handicap et de l'accessibilité dans chacune de ses actions professionnelles Compétences spécifiques - Prendre connaissance du projet chorégraphique ou de l’œuvre, en saisir la singularité artistique et esthétique - Comprendre, analyser et s’approprier les indications reçues. - Mémoriser des séquences longues et/ou complexes d’écriture chorégraphique, les assembler, les enchaîner, y apporter les modifications demandées - Participer aux phases de recherche d'écriture chorégraphique et aux répétitions - Proposer des éléments de composition à partir des indications données - Improviser librement ou selon un cadre et des consignes énoncés - Reprendre de manière autonome un rôle en utilisant, le cas échéant, les différentes ressources disponibles : transmission directe, vidéo, notation, etc. - Participer à la transmission d’un rôle - Identifier et utiliser les différentes ressources disponibles - Développer les liens entre l’œuvre à interpréter et son imaginaire - Recevoir, rechercher et utiliser des informations se rapportant aux contextes culturels, historiques, stylistiques et artistiques d’une œuvre ou d’une situation de départ donnée - Traduire dans son interprétation le fruit de l’analyse des informations recueillies - Conduire sa démarche artistique ou élaborer ses propositions en cohérence avec les enjeux du projet chorégraphique (styles, esthétiques, concepts, écoles, courants…) et les qualités requises par l’œuvre. - Enrichir la proposition chorégraphique, suggérer des nuances d’interprétation en affirmant des partis-pris liés à des dimensions de présence, dynamique, projection… - Mettre en jeu son rapport à soi et aux autres, partenaires et publics, et assurer au cours des représentations une prestation à la fois individuelle et reliée au collectif de jeu - Mettre en œuvre une méthodologie de collecte et d’utilisation d’informations, en bâtir une le cas échéant - Traduire dans sa danse le fruit de l’analyse des informations recueillies - Adapter sa prestation à des modifications éventuelles ou à des impondérables - S’approprier un espace de représentation non conventionnel : espaces naturels ou urbains, galeries, musées, en itinérance dans une architecture et des lieux singuliers - Maîtriser une ou plusieurs techniques de travail ou d’entraînement liées à son esthétique chorégraphique - Maîtriser d’autres techniques complémentaires de travail ou d’entraînement - Aborder de nouvelles techniques corporelles susceptibles d’être rencontrées lors de nouvelles œuvres ou démarches artistiques - Maîtriser la diversité des relations au(x) partenaire(s) : contact, écoute, portés, regards, danses de groupe, danses d’ensemble - Exprimer, à l’oral ou à l’écrit, les perceptions de sa pratique ou de l’observation de celle de l’autre - Nommer, analyser, objectiver les éléments constitutifs des œuvres ou des écritures chorégraphiques - Aborder un des principaux systèmes de notation et de transcription du mouvement - Entretenir sa condition physique - Poursuivre un entrainement régulier - Appliquer des connaissances anatomiques et physiologiques - Appliquer les notions fondamentales d’analyse fonctionnelle du corps dans le mouvement dansé - Appliquer les techniques de relaxation, de récupération et de conscience corporelle - Identifier ses temps personnels de récupération et anticiper sur les risques liés à la fatigue ou aux traumatismes corporels - Identifier les situations à risques liées à l’environnement et/ou à la nature du mouvement et contribuer à y remédier -Développer la plasticité du corps dans sa relation à l’espace : ligne, volume, plan, poids, gravité, résistance des matériaux, espaces interstitiels, architecture, et leurs combinatoires - Développer la théâtralité du corps : adresse regard, sens du récit, dramaturgie du geste, tension dramatique… et leurs combinatoires - Développer la musicalité du corps : rythme, énergie, mélodie, phrasé gestuel, dissociation, durée, dynamique, pulsation, suspension, couleur, et leurs combinatoires - Comprendre et exprimer corporellement les éléments liés à l’espace, à la théâtralité, à la musicalité inhérents à sa chorégraphie et sa mise en scène - Développer la relation entre le geste et la musique - Élargir sa culture chorégraphique, sa connaissance de l’histoire et de l’actualité de la danse - Enrichir sa connaissance des autres arts et sa culture générale - S'adapter à la diversité des répertoires ou des formes de danse rencontrés - Maitriser les bases de technique de maquillage - Contribuer à l’adaptation de son matériel et ses propres caractéristiques corporelles - Communiquer avec les professionnels ne pratiquant pas sa langue maternelle. - Entretenir ses connaissances de la danse et du spectacle vivant en général (histoire, esthétiques actuelles) et des conditions d’exercice de la profession (connaissances réglementaires, administratives et institutionnelles) - Identifier l’actualité des problématiques disciplinaires, leurs évolutions, ainsi que des différentes formes chorégraphiques, selon une réflexion prospective - Mobiliser une réflexion théorique et critique portant sur les arts du spectacle, principalement de la danse (littérature, esthétique, histoire de l’art, sociologie et anthropologie de l’art) pour définir des problématiques d’étude - Appliquer la terminologie descriptive et critique pour commenter les arts du spectacle, au travers d’un projet/mémoire d’initiation à la recherche - Articuler sa recherche et sa pratique artistique - Formaliser sa pratique de recherche et en identifier l’apport dans le développement de son identité artistique et professionnelle - Communiquer sur sa démarche et sur ses résultats, en français et dans une langue étrangère - Prendre appui sur une pratique des autres arts du spectacle vivant de la musique et / ou des arts visuels - S’initier aux arts numériques et à leurs applications du champ chorégraphique (logiciels de composition chorégraphique, technique de capture de mouvement, …) - Identifier ou exercer les activités de collaborateur ou collaboratrice artistique de chorégraphe (répétiteur ou répétitrice, maitre ou maitresse de ballet, capitaine de danse, dramaturge etc.), de chorégraphe ou de directeur ou directrice de projet chorégraphique, - Identifier les métiers connexes de notateur ou notatrice analyste du mouvement, - Identifier les métiers liés aux filières paramédicales et métiers de la forme, - Identifier ou exercer la transmission de la danse, et, le cas échéant, se former à l’enseignement de la danse ; - Identifier les métiers de l’action culturelle - Identifier les métiers de l’administration culturelle et de la direction d’équipe et de structure ; - Identifier les métiers de la filière technique, la captation et la diffusion audiovisuelle dans le cadre du spectacle vivant. - Actualiser régulièrement ses connaissances relatives à l’impact de la transition écologique sur les modalités de la création et de la médiation des œuvres. - Apprécier les compétences et aptitudes possédées, chercher à les maintenir et à les développer - Identifier les acquis utilisables en vue d’une évolution de carrière, d’une reconversion ou d’une réorientation professionnelle. - Maitriser les modes d’organisation du spectacle vivant et leurs évolutions - Appliquer les dispositions législatives et réglementaires en vigueur dans le spectacle vivant - Identifier la structuration économique du secteur artistique et culturel - S’informer de l’actualité professionnelle et de l’évolution du droit du travail et droit conventionnel, notamment à travers les publications et la presse professionnelle. - Maitriser l’environnement de représentation ((aire de jeu, scène, plateau, coulisses, dégagements, cintres, lumière et son, décors - Être conscient des différentes formes de vulnérabilité, en particulier les handicaps visibles et invisibles (physiques, cognitifs et psychiques), notamment afin de faciliter les collaborations avec les artistes et professionnels concernés. - Adopter, en tant qu’artiste, une démarche inclusive et de lutte contre toutes les formes de discriminations et de violences, dont les violences et le harcèlement sexistes et sexuels (VHSS). - Être sensibilisé aux risques psychosociaux et veiller le cas échéant, en fonction d’un contexte de travail spécifique, à contribuer à leur signalement et à leur prévention. - Entretenir et développer ses propres réseaux professionnels dans la durée - Développer des stratégies de recherche d’emploi (ex : auditions, castings, rédactions du curriculum vitae, candidature spontanée…) - S’adresser à un public et dialoguer avec lui sur un spectacle dans le cadre de son travail d’artiste interprète. - Partager les éléments fondamentaux de sa pratique

Dans le secteur du spectacle vivant, les structures employeurs sont les compagnies chorégraphiques (subventionnées ou non), les centres chorégraphiques nationaux (CCN), les centres de développement chorégraphique (CDC) , les ballets de la Réunion des Opéras de France (ROF), les structures pluridisciplinaires de production-diffusion du spectacle vivant, disposant ou non d’un lieu fixe : les scènes nationales, les théâtres de ville ou autres scènes conventionnées, les opéras, les festivals,… ; les producteurs de comédies musicales, les théâtres privés, les cabarets … Le danseur peut également travailler dans des lieux liant le spectacle à d’autres activités (les parcs de loisirs notamment). Dans le spectacle enregistré, les employeurs sont les sociétés de production audiovisuelle ou cinématographique. Les statuts de ces structures sont variées : associations (forme prédominante pour les compagnies), SARL, régie directe, établissements publics, SCOOP, ... Ces structures employeuses sont toutes détentrices de la licence d'entrepreneurs de spectacles. Le danseur peut également être engagé par des employeurs dits occasionnels, c'est-à-dire des employeurs dont l'activité principale n'est pas le spectacle vivant et qui relèvent alors du champ du Guichet unique du spectacle occasionnel (Guso) : cafés, hôtels, restaurants, bibliothèques, particuliers, collectivités locales, notamment.

Dans l'usage courant, on utilise indifféremment les appellations d’emploi de danseur ou d’artiste chorégraphique. Le danseur est employé, dans un certain nombre de cas, sur la base d'un contrat à durée indéterminée (CDI) : cette situation se rencontre à l’Opéra national de Paris, dans certains CCN, parcs de loisirs, cabarets ou compagnies, mais il ne s’agit nullement de la forme d’emploi dominante. Le danseur est un salarié, le plus souvent employé sur la base de contrats à durée déterminée d’usage (CDDU) avec des employeurs multiples. Il relève alors de l’annexe 10 du régime d’assurance-chômage qui définit les règles de fonctionnement du régime d’indemnisation spécifique au spectacle pour les artistes (intermittence du spectacle). Les danseurs recrutés dans les ballets de la ROF ont majoritairement un statut d’agent contractuel de la fonction publique territoriale. Très peu de danseurs relèvent du régime libéral, alors que ce statut est fréquent au sein des pays de l'Union européenne. L’emploi dans l'entreprise est régi par des normes légales, réglementaires et conventionnelles, fixant des minima salariaux et précisant les modalités pratiques d'exécution du contrat de travail. Selon les différents secteurs, le danseur est recruté par auditions ou castings, ou sollicité par un chorégraphe, un directeur artistique ou un réalisateur. Stages et cours contribuent souvent à alimenter le réseau professionnel du danseur et peuvent être des vecteurs d’opportunité d’emploi.